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A short-film about life, loss and self-closure.
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“I have always worried a lot about the future. I set some goals for myself, every day higher, goals that growing up I realized I would never reach, because I would push them every time further, raising the stakes. As my experience in life grew, I also found myself stuck in the past, until one day I realised that I wasn’t living in the present. Sharing this thought with the different people I have met, made me find this condition to be true for so many individuals. Such realisation inspired this story and its message, addressed especially to the dreamers like me, is to live the present without wasting any experience that seems pointless towards the end goal.” [Director: Gino Vitolo]

“Mi sono sempre preoccupato molto del futuro. Mi sono posto degli obbiettivi, sempre maggiori, che crescendo ho capito di non raggiungere perché li spingevo ogni volta più in là, alzando la posta. Poi aumentando le mie esperienze di vita, mi sono ritrovato spesso bloccato in eventi del passato, finché ho capito che non stavo vivendo il mio presente. Confrontandomi con le persone che ho incontrato lungo la mia strada, ho realizzato che questa condizione è molto condivisa, è “umana”. Ciò ha ispirato questa storia e il suo messaggio, rivolto soprattutto ai sognatori come me, è quello di vivere il presente e non sprecare nessuna esperienza che possa sembrare vana rispetto all’obbiettivo finale.” [Regista: Gino Vitolo] 


THE PLOT

An old man shipwrecked decades before on an abandoned island, event in which he has also lost his wife, finds himself in a monotonous life in which he no longer has any will to live. When he attempts to end his life, another young shipwrecked man shows up. The old man rescues him but it starts a conflictive relationship between the two, in which the young guy wants him to open up and survive together, while the old man only wants to be left alone with the remainder of his miserable life.

Un uomo anziano naufragato da giovane su un’isola abbandonata, evento nel quale ha anche perso sua moglie, si ritrova bloccato in una vita monotona nella quale non ha più alcuna voglia di vivere. Il suo tentativo di togliersi la vita, viene però interrotto dall’arrivo di un altro giovane naufrago. Il vecchio lo salva, ma di lì inizia tra i due un rapporto conflittuale, nel quale il giovane vorrebbe che il vecchio si aprisse e cercasse di sopravvivere insieme, mentre quest’ultimo vuole soltanto essere lasciato da solo con il ricordo della sua miserabile vita.


THE DIRECTOR’S VISION

The characters, identified simply as OLD and YOUNG, represent two false archetypes of human life. In separate ways and personalities they embody one single course of life, which goes from an age of positivity, expectations and will to build a future to an age in which that future is no longer full of dreams (whether achieved or failed) and everything is still and redundant with no new expectations whatsoever. It closes the circle the belief that sometimes an idea from a younger person can be wiser than the idea from an older one and perhaps it would teach something new even to someone who has had many life experiences. Sometimes, all it takes is to try to imagine ourselves as the younger versions of us and rediscover that positivity and have something new to aim for.

What we shot is the result of a need to deliver this story in a way that would be easily received by the audience, but also, to give everyone the freedom to get their own message, ask their own questions and find their own answers.

This film represents an experiment in several ways:

· The challenge was to write a story in which actions speak louder than words, even though there is a big backstory to tell. Everything the characters say become metaphorical rather than explanatory. That is why the choice was to shoot most of the film hand-held: it was truly important for me that the camera would bring the audience into the film rather than allow them to watch a story in an external and observational way. Being in constant movement, following the pace of the actions, of the nature and of our characters’ mind, the camera becomes part of the storytelling. That goes in opposition to the steadiness of the static shots of the place where our main character lives. In this vision, his apartment becomes some sort of prison in which everything is tidy, precise, a rigid metaphor of a life everyone would want to escape from.

· The camera choices also served another purpose. I believe that allowing the audience to be part of a story comes from engagement. My main concern was creating this engagement with the main character, reason why I wanted them to walk alongside one another, in a way that the audience would never know more than the character and the character would never know more than the audience.

· Even the aspect ratio played an important role: the cinematic format [2.40:1] perfectly matched this whole idea. Its horizontal predisposition was in perfect contrast with the vertical lines of our locations. All but one: the sea is the only place where the tormented mind of our character finds some peace. It also represents a link between his past (the way he got on this island, the way he lost his wife) and his future (he attempts to die the same way his wife did, drowning in the water). In that sense as we look into the open sea, the horizon follows the horizontal shape of our image and gives us back this sense of peace. But it also cuts the picture in two, referring to the duality of our story. As we look back to the beach, the whole scenario changes with a huge wall of rock that raises vertically and becomes a symbol of oppression that keeps our character stranded.

· We gave to the color palette a bigger meaning to carry rather than just letting it dictate the mood: it develops alongside the evolution of the character.

Although what you will see will not just be my vision as the entire crew fully joined it, and I am so proud to have worked with such a crew.

I personaggi, identificati semplicemente come VECCHIO e GIOVANE, rappresentano due falsi archetipi della vita umana. In modi e personalità diverse, essi incarnano un singolo corso di vita, che va da un’età di positività, aspettative e volontà di costruire un futuro, ad un’età in cui quel futuro non è più pieno di sogni (perché ormai raggiunti o falliti) e tutto è piatto e ridondante senza nessuna aspettativa alcuna. Chiude il cerchio l’idea che a volte un giovane possa rivelarsi più saggio di un anziano, e magari insegnare qualcosa a qualcuno che ha avuto molte più esperienze di vita. A volte, tutto ciò che serve è provare ad immaginarci come un versione più giovane di noi stessi, riscoprendo quella positività e avendo qualcosa di nuovo a cui aspirare.

Ciò che abbiamo girato è il risultato di un bisogno di mostrare questa storia in un modo che possa essere facilmente ricevuto dallo spettatore, ma anche quello di dare ad ognuno la libertà di trarne il proprio messaggio, farsi le proprie domande e trovare le proprie risposte.

Il film rappresenta un esperimento su diversi fronti:

· La sfida è stata quella di scrivere una storia in cui le azioni parlassero più delle parole, anche se c’era un lungo passato da raccontare. Tutto ciò che i personaggi dicono diventa metaforico piuttosto che esplicativo. Ecco perché la scelta di girare la maggior parte del film con camera a mano: era molto importante per me che la camera portasse lo spettatore all’interno del film, invece che mostrargli una storia che avrebbe visto in maniera esterna, da osservatore. Essendo in continuo movimento, seguendo il ritmo delle azioni, della natura e della mente dei nostri personaggi, la camera diventa parte della narrazione. Ciò va poi in opposizione alla fermezza delle inquadrature statiche del luogo in cui il nostro protagonista vive. In questa visione, il suo appartamento diventa una sorta di prigione in cui tutto è ordinato, preciso, rigida metafora di una vita dalla quale chiunque vorrebbe scappare.

· Le scelte sull’utilizzo della camera servivano anche ad un altro fine. Credo fermamente che trasportare uno spettatore all’interno di una storia sia possibile solo attraverso l’immedesimazione. Il mio obbiettivo principale era creare questa immedesimazione con il protagonista, ragion per cui volevo che spettatore e personaggio viaggiassero l’uno accanto all’altro, in modo tale che nel dipanarsi della storia, lo spettatore non sapesse niente di più del personaggio e viceversa.

· Anche il rapporto d’aspetto ha giocato un ruolo importante: il formato anamorfico [2.40:1] si sposava perfettamente a quest’idea. La sua predisposizione orizzontale era in perfetto contrasto con le linee verticali delle nostre location. Tutte meno che una: il mare rappresenta l’unico posto nel quale la mente tormentata del nostro protagonista trova un po’ di pace. Rappresenta anche un collegamento tra il suo passato (il modo in cui è arrivato su quest’isola, il modo in cui ha perso sua moglie) ed il suo futuro (egli prova a togliersi la vita nello stesso modo in cui è morta la moglie, affogando nell’acqua). In questo senso quando guardiamo verso il mare aperto, l’orizzonte segue il formato orizzontale delle nostre immagini, restituendoci questo senso di pace. Ma taglia anche l’immagine in due, riferendosi al dualismo della nostra storia. Quando invece guardiamo verso la spiaggia, l’intero scenario cambia grazie ad un enorme muro di rocce che si alza verticalmente, divenendo un simbolo di oppressione che mantiene il nostro personaggio arenato.

· Abbiamo dato anche alla paletta dei colori un significato più grande da trasmettere, piuttosto che lasciarle semplicemente dettare il mood: essa si evolve parallelamente alla crescita del personaggio.

Ciò nonostante, ciò che vedrete non è soltanto la mia visione poiché l’intera crew l’ha pienamente abbracciata e sono davvero orgoglioso di aver lavorato con tutti loro.


WHY IS THIS FILM IMPORTANT?

This film represents a way for us all to think together about what stops us from living our one and precious life to the fullest in every moment and why we let it. Everything has been meticulously thought and planned in order to convey this message and emotionally take our audience on a journey in which experiencing a story they could easily reflect their own life into.

Because I believe this story to be a metaphor that anyone can apply to their own life, I like to think that any contribution is even more important than just a donation that would help the film come to life.

Questo film rappresenta un modo per tutti noi di ragionare assieme su ciò che ci impedisce di vivere la nostra unica e preziosa vita nella sua pienezza e consapevolezza in ogni momento, e sul perché glie lo permettiamo. Tutto è stato meticolosamente pensato e pianificato in modo tale da trasmettere questo messaggio e trasportare emozionalmente lo spettatore in un viaggio nel quale prendere parte ad una storia che egli possa facilmente riflettere nella propria.

Proprio perché credo che questa storia sia una metafora che chiunque possa applicare alla propria vita, mi piace pensare che ogni contributo sia ancora più importante di una semplice donazione che aiuti questo film a prendere vita. 



MOODBOARD

Just few references that have helped us find the right tone for Stranded.

Ecco alcuni esempi che ci hanno aiutato a trovare il giusto tono per Stranded. 

THE WRESTLER - THE PLACE BEYOND THE PINES - THE OLD MAN AND THE SEA (animated short) - CAST AWAY - HOSTILES
THE WRESTLER - THE PLACE BEYOND THE PINES - THE OLD MAN AND THE SEA (animated short) - CAST AWAY - HOSTILES

THE CAST

Working with Tonino and Carmine has been exciting, inspiring and most of the time very funny and easy. Both their acting skills and huge experience in front of the camera made them nail down every single scene. Even though they had been rehearsing for weeks, there was always originality in their performances.

But I believe that what truly made their characters stand out is the chemistry these two actors have between them. They had worked together many times and for what I experienced, I think it is safe to say that alongside their characters, they also share some kind of mentor/student relationship. It truly felt like they completed each other’s personality, which is exactly what these story and characters needed.

Lavorare con Tonino e Carmine è stato eccitante, ispirante e il più delle volte tanto divertente quanto semplice. Sia il loro talento attoriale che la grande esperienza di fronte alla macchina da presa, ha fatto si che in ogni singola scena, nonostante le avessero provate per settimane, ci fosse sempre originalità nelle loro performance.

Tuttavia credo che ciò che gli abbia permesso davvero di dar risalto ai loro personaggi sia l’intesa che questi due attori hanno l’uno con l’altro. Hanno lavorato assieme tante volte e per quella che è stata la mia esperienza di lavoro con loro, penso sia giusto affermare che parallelamente ai personaggi da loro interpretati, anch’essi condividano una sorta di rapporto mentore/allievo. Sembrava davvero che le loro personalità si completassero a vicenda, il che è esattamente ciò di cui questa storia e questi personaggi necessitavano.


TONINO TAIUTI
TONINO TAIUTI

Antonio Taiuti, in art Tonino Taiuti (Napoli, 1950), stage and film actor, author, director and sounds sculptor.

Besides dominating the theater scene for years, it boasts a long film repertoire. Among the most renowned films are certainly Polvere di Napoli (A. Capuano), Incantesimo Napoletano (L. Miniero), Perez (E. De Angelis) and Pianese Nunzio, 14 anni a Maggio (A. Capuano).

In the 80s, together with Silvio Orlando, he establishes the comic duo Orlando-Taiuti and together they write, perform and direct the shows La stanza and Due uomini e un armadio.

With Teatri Uniti he joins the New Neapolitan Theater Scene by participating in the most significant shows by M. Martone, E. Moscato, T. Servillo, E. Scarpetta and Nino D’Angelo.

As one-man-show he writes, performs and directs shows with extensive references to jazz music, while as an actor he wins, in the same period, the Vitiello Award.

Between 2004 and 2006 he performs with Silvio Orlando in Questi Fantasmi by Eduardo De Filippo (directed by A. Pugliese) and wins the 11th edition of the Girulà Award for best supporting actor.

In 2009 he acts in Bisesto, a short film by F. Prisco and G. Esposito, nominated for the David di Donatello and winner of the Giffoni Film Festival and many other awards.

In 2014 he performs in Circo equestre Sgueglia by R. Viviani, for whose role he wins Le Maschere del Teatro Italiano Award for best supporting actor.

Among other things, he teaches an acting workshop at Teatro Stabile di Napoli school.

Antonio Taiuti, in arte Tonino Taiuti (Napoli, 1950), attore teatrale e cinematografico, autore, regista e scultore di suoni.

Oltre a dominare la scena teatrale per anni, vanta un lungo repertorio cinematografico. Tra le pellicole più rinomate figurano sicuramente Polvere di Napoli (A. Capuano), Incantesimo Napoletano (L. Miniero), Perez (E. De Angelis) e Pianese Nunzio, 14 anni a maggio (A. Capuano).

Negli anni ‘80 forma con Silvio Orlando, la coppia comica Orlando-Taiuti ed insieme sono autori, interpreti e registi degli spettacoli La stanza e Due uomini e un armadio.

Con Teatri Uniti prende parte alla Nuova Scena Teatrale Napoletana partecipando agli spettacoli più significativi diretti da M. Martone, E. Moscato, T. Servillo, E. Scarpetta and Nino D’Angelo.

Come one-man-show scrive, interpreta e dirige spettacoli con ampi riferimenti alla musica jazz, mentre per l’attività di attore vince, nello stesso periodo, il Premio Vitiello

Nella stagione 2004-2006 recita insieme a Silvio Orlando in Questi Fantasmi di Eduardo De Filippo (regia A. Pugliese) e vince l’XI edizione del premio Girulà come migliore attore non protagonista.

Nel 2009 prende parte a Bisesto, film cortometraggio di F.Prisco e G.Esposito nominato al David di Donatello, vincitore del Giffoni Film Festival e molti altri premi, e successivamente prende parte a numerose opere di Francesco Prisco.

Nel 2014 recita in Circo equestre Sgueglia di R. Viviani, per il cui ruolo vince il premio Le Maschere del Teatro italiano come miglior attore non protagonista.

Tra le altre cose, insegna alla scuola del Teatro Stabile di Napoli per uno stage sulla recitazione. 


CARMINE BORRINO
CARMINE BORRINO

Neapolitan actor, playwright and director. He makes his theatrical debut at the age of 11 and after an intense training he moves to the cinema and on TV, with important works such as, Pianese Nunzio, 14 anni a maggio (A. Capuano), Sotto il vestito niente (C. Vanzina) and La kryptonite nella borsa (I. Cotroneo).

Antica Babilonia is his first work of Dramaturgy. In 2008 he joins the company of Luca De Filippo which involves him in the comedy Filumena Marturano, directed by F. Rosi.

For the Napoli Teatro Festival Italia he writes and interprets Napoli.Interno.Giorno. In August 2012, he debuts with Core Spezzato, Nuova sceneggiata drammatica-sentimentale, written, directed and interpreted by him.

In 2016 he is among the protagonists of the Rai TV series Sirene, written by I. Cotroneo and directed by D. Marengo and writes and stages Cantami, o diva… di famiglia, onore e tracotanza and collaborates also with the company NEST - for Teatri di Vita, produced by the Napoli Teatro Festival.

In 2018 he wins the Annibale Ruccello Award for the new dramaturgy with Il bene immobile.

Attore, drammaturgo e regista napoletano. Debutta sulle scene teatrali già all’età di 11 anni e dopo un’intensa formazione approda al cinema ed in TV, con lavori importanti quali, Pianese Nunzio, 14 anni a maggio (A. Capuano), Sotto il vestito niente (C. Vanzina) e La kryptonite nella borsa (I. Cotroneo).

Antica Babilonia è il suo primo lavoro di Drammaturgia. Nel 2008 entra nella compagnia di Luca De Filippo che lo vede impegnato nella commedia Filumena Marturano, diretta da F. Rosi.

Per il Napoli Teatro Festival Italia scrive e interpreta Napoli.Interno.Giorno. Nell’agosto 2012, debutta Core Spezzato, Nuova sceneggiata drammatica-sentimentale, da lui scritta, diretta e interpretata.

Nel 2016 è tra i protagonisti della serie Rai TV Sirene, scritta da I. Cotroneo e diretta da D. Marengo e scrive e mette in scena Cantami, o diva… di famiglia, onore e tracotanza e collabora inoltre con la compagnia NEST- per Teatri di Vita, prodotta dal Napoli Teatro Festival.

Vince il Premio Annibale Ruccello 2018 per la nuova drammaturgia con Il bene immobile.


MEET THE CREW

LUDOVICA SORDI – Producer
LUDOVICA SORDI – Producer

Ludovica is an Italian filmmaker, born and raised in Milan. She owns a Bachelor degree Cum Laude in Economics and Cultural Resource Management. After University, she realised she wants to work in the film industry and start producing several commercials. Those experiences taught her a lot, but the desire of knowing more pushed her to move to London in order to attend the Master of Arts at The London Film School. Among her most important project as a producer there are: Don’t (music video by RYD), Goodbye by Concerto (as a Production Assistant), several short-films produced during her time at The London Film School, and quite few commercials back in Italy like Breeze, Flexform, and videos for the Milano Fashion Week. She loves old noir movies and Miyazaki’s Princess Mononoke and Howl’s Moving Castle.

Ludovica è una filmmaker italiana, nata e cresciuta a Milano. Si laurea in Economia e Gestione dei Beni Culturali con 110 e lode. Finita l’università, decide di perseguire il suo sogno e lavorare nel mondo del cinema, cominciando a produrre diversi spot. Queste esperienze le insegnano tanto, ma il desiderio di apprendere di più, la spinge a trasferirsi a Londra per frequentare un Master of Arts presso la London Film School. Tra i progetti più importanti a cui ha preso parte come Produttrice vi sono: Don’t (videoclip musicale della band RYD), Goodbye dei Concerto (come Assistente di Produzione), numerosi cortometraggi prodotti durante il suo tempo alla London Film School e diversi spot prodotti in Italia per Breeze, Flexform e la Fashion Week di Milano. Ama i vecchi film noir e i film di Miyazaki, come La Principessa Mononoke e Il Castello Errante di Howl.


GINO VITOLO – Writer & Director
GINO VITOLO – Writer & Director

Gino is an Italian, London-based Director with a strong inclination towards Cinematography. He graduated in Italy in Discipline of the Visual Arts, Music and Performing Arts, 110 Cum Laude at the University of Salerno. During this time, he Writes and Directs 3 short films, as well as working on several independent feature films, documentaries and commercials. In 2014 he wrote and directed a documentary / interview with the award-winning Cinematographer Vittorio Storaro (whom he considers his mentor). This meeting drives him to find a place to carry on his studies that would allow him to merge his cultural baggage with a strong technical training. That is why after a long search around Europe and USA he attended the Master of Arts in Filmmaking at The London Film School, where he directed 2 short-films, worked as Cinematographer on 4 others and has taken part on several other projects with different roles, in and outside the school. Because of his craving for the visual storytelling, concept in which actions, camera, sound and design choices, talk louder than words, he strongly believes that a full engagement as well as a good communication among departments allows to reach the essence of the story rather than a mere picture aesthetic.

Gino è un Regista italiano con base a Londra con una forte inclinazione verso la Direzione della Fotografia. Si laurea in Disciplina delle Arti Visive, della Musica e dello Spettacolo con 110 e lode presso l’Università di Salerno. In questo arco di tempo scrive e dirige 3 cortometraggi, oltre a lavorare a diversi spot, documentari e lungometraggi indipendenti. Nel 2014 scrive e dirige un documentario/intervista al pluripremiato Direttore della Fotografia Vittorio Storaro (che egli considera suo mentore). Questo incontro lo spinge a continuare i suoi studi in un luogo che gli permetta di fondere il suo bagaglio culturale ad una forte preparazione tecnica. Per questo motivo, dopo una lunga ricerca in Europa e negli Stati Uniti, si iscrive al Master of Arts in Filmmaking alla London Film School, dove dirige 2 cortometraggi, cura la Direzione della Fotografia di altri 4 e partecipa a numerosi progetti con ruoli diversi, all’interno e al di fuori della scuola. Predilige il visual storytelling, concetto secondo il quale azioni, scelte nell’uso della camera, del suono e di scenografia, parlino più delle parole. Sulla base di ciò, crede fermamente che il pieno coinvolgimento e una buona comunicazione tra reparti consenta di giungere all'essenza della storia oltre la mera estetica dell'immagine.


PIERO CIOFFI – Cinematographer
PIERO CIOFFI – Cinematographer

Piero is an Italian, London-based cinematographer & photographer. After four years as stage photographer for the prestigious Ravello Festival, he decided to pursue a career in filmmaking. With a background in electrical engineering, Piero graduated with an MA in Filmmaking in 2017 from The London Film School - thus he likes to define himself as a "Storytelling nerd". Whilst his technical formation allows him to master the tools – he is trained to work on most of the modern cinema cameras, deeply aware of post and coloring workflows, and familiar with film as well - his craving for storytelling brings him to travel around the world to discover new stories, traditions and horizons. His credits include festivals acclaimed films like Three Centimetres (winner of the 2018 Teddy Award at Berlinale and the 2018 Iris Prize), Three Days (selected at Clermont Ferrand 2018), R43.bit (winner Best Production Design Filmquest 2018), About Bintou (selected Cleveland 2019) and 23 RED (selected LSFF 2019).

Piero è un Direttore della Fotografia e Fotografo italiano con base a Londra. Dopo quattro anni come fotografo di scena per il prestigioso Festival di Ravello, decide di intraprendere la strada del cinema. Con una formazione in ingegneria elettrotecnica, Piero si laurea in Direzione della Fotografia nel 2017 presso la London Film School. Ama definirsi un "nerd dello storytelling". Mentre la sua formazione tecnica gli permette di padroneggiare gli strumenti – sviluppa una profonda conoscenza per la maggior parte delle moderne macchine da presa, e dei processi di post produzione colorazione, e uso della pellicola - la sua predilezione per lo storytelling lo porta a viaggiare in tutto il mondo per scoprire nuove storie, tradizioni e orizzonti. Tra i suoi film ricordiamo Three Centimeters (vincitore del Teddy Award alla Berlinale 2018 e l’Iris Prize 2018), Three Days (selezionato al Clermont Ferrand 2018), R43.bit (vincitore del premio Miglior Scenografia al Filmquest 2018) , About Bintou (selezionato al Cleveland 2019) e 23 RED (selezionato al LSFF 2019).


MASSIMILIANO FORLENZA – Production Designer
MASSIMILIANO FORLENZA – Production Designer

After graduating in 2003 at the Accademia delle Belle Arti in Naples, he began his career as a volunteer on a Tinto Brass’ film. From there he become an Assistant Production Designer for several TV Series, to then become Set Decorator in the series Il Commissario Manara, which represents not only the launch of his career but also the best school capable of giving him real professional training. Today he mainly works in film, alternating roles as Production Designer such as All roads lead to Rome (with Raoul Bova and Sarah Jessica Parker, directed by E. Lemhagen), Caina, Tre tocchi, La casa di famiglia, to roles as Set Decorator like the most recent ones, Martin Eden and Boemo (set in the 1700s). His approach is always based on a careful analysis that uniquely embraces settings and characters’ interiorities, so that every aspect of the Production Design not only reflects the reality of time and place but creatively express conflicts and emotions of the characters and of the story that it is being told.

Dopo essersi laureato nel 2003 all’Accademia delle Belle Arti di Napoli, inizia la sua carriera come volontario in un film di Tinto Brass. Da lì diventa Assistente Scenografo inizialmente per Fiction TV, fino a diventare Arredatore nella serie Il Commissario Manara, che rappresenta non solo il lancio della sua carriera ma anche la migliore scuola capace di dargli una vera formazione professionale. Oggi si occupa principalmente di cinema alternando lavori da Scenografo come Tutte le strade portano a Roma (con Raoul Bova e Sarah Jessica Parker, regia E. Lemhagen), Caina, Tre tocchi, La casa di famiglia, a lavori da Arredatore come i più recenti Martin Eden e Boemo (ambientato nel ‘700). Il suo approccio è sempre basato su un’attenta analisi che abbraccia in maniera univoca ambientazioni e interiorità dei personaggi, affinché ogni aspetto scenografico possa non solo rispettare la realtà di tempo e luogo ma in maniera creativa esprimere conflitti ed emozioni dei personaggi e della storia che si sta raccontando.


MARCELO VELOZ – Sound Recordist & Editor
MARCELO VELOZ – Sound Recordist & Editor

Marcelo is a Mexican, London based Filmmaker with a strong inclination towards Sound and Editing. He graduates in Theatre, TV and Film: TV and Film Track at The University of Texas – Rio Grande. In the meantime he writes and directs several short-films that get selected into a good amount of Festivals around the world. Carrying on his studies at The London Film School where he is currently attending a Master of Arts in Filmmaking, he discovered his passion and predisposition for Sound Design and Editing. Taking part of a consistent number of projects in such roles, he finds himself deeply involved in every stage of a film production. The soundscapes become his diary thanks to what he is able to drive the pace of a scene and give to every element the right importance. Every shot, every off screen sound, everything that his hears can capture, merge together to lead the film in the direction it needs to go. His constant study of those big names who made history makes him a true film geek, capable of reinventing the film language towards new innovative routes.

Marcelo è un filmmaker messicano, di base a Londra, con una forte inclinazione verso sound e montaggio. Si laurea in Teatro, TV e Film: TV e Film Track presso la University of Texas - Rio Grande. Nel frattempo scrive e dirige diversi cortometraggi che vengono selezionati in numerosi festival in tutto il mondo. Proseguendo i suoi studi alla London Film School, dove attualmente sta frequentando un Master of Arts in Filmmaking, ha scoperto la sua passione e predisposizione per Sound Design e Montaggio. Prendendo parte ad un consistente numero di progetti in questi ruoli, si ritrova profondamente coinvolto in ogni fase della produzione di un film. I paesaggi sonori diventano il suo diario grazie al quale è in grado di dettare il ritmo di una scena e dare ad ogni elemento la giusta importanza. Ogni inquadratura, ogni suono fuori campo, ogni cosa che le sue orecchie riescono a catturare, si fondono per instradare il film nella direzione in cui ha bisogno di andare. Il suo costante studio di quei grandi nomi che hanno fatto la storia lo rende un vero fanatico del cinema, capace di reinventare il linguaggio cinematografico verso nuovi percorsi innovativi. 



THE BUDGET

While the film is being edited by our talented Marcelo, we need to prepare ourselves to sustain several other costs:

Mentre il film è in fase di montaggio, affidato al nostro talentuoso Marcelo, dobbiamo prepararci a sostenere ulteriori costi: 

THE POSTER

Risks and challenges

We understand that there are risks attached to filmmaking: it requires a collective of people that accept to work under certain circumstances, where the budget is almost never enough to set everything in motion. Obviously, being all filmmakers who have decided to dedicate their lives to making a career in the film industry, for us it is not all about the money. But while the crew has joined this project for free, the costs of production and pre-production for what we tried to recreate have been quite consistent. The film has been totally self-produced so far, but now we truly need help to finish it.
We are so thrilled to take this film to the next level as soon as we receive this genuinely appreciated help, so that after the post-production this film will finally be able to be screened and viewed into the major festivals around the world, festivals that can also be very expensive. We believe we are working on a truly good project that needs and deserves to be seen all around the world.

Siamo consapevoli del fatto che ci sono rischi legati al mondo del cinema: fare cinema richiede un collettivo di persone che accettino di lavorare sotto determinate circostanze, dove il budget non è quasi mai sufficiente per mettere tutto in moto. Naturalmente, essendo tutti filmmaker che hanno deciso di dedicare la propria vita a crearsi una carriera nell’industria del cinema, per noi non tutto gira intorno ai soldi. Tuttavia, mentre la crew ha accettato di prendere parte al progetto senza alcun compenso, per raggiungere ciò che era nostra intenzione ricreare i costi di produzione e pre-produzione sono stati abbastanza consistenti. Il film è stato finora interamente autoprodotto, ecco perché adesso abbiamo davvero bisogno di aiuto per finirlo.
Siamo così eccitati di portare il film al prossimo step non appena riceveremo questo davvero apprezzato aiuto, cosicché dopo la post-produzione, questa storia sarà finalmente in grado di essere proiettata e vista nei maggiori festival di tutto il mondo, festival il cui accesso può a sua volta risultare molto costoso. Siamo convinti di aver lavorato e continuare a lavorare su un progetto davvero valido che necessita e merita di essere visto in tutto il mondo.

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    A LIMITED EDITION FROM THE SET

    Get a set of 4 pictures used in the film (until the stocks are exhausted) + everything above.

    Ricevi un set di 4 foto usate nel film (fino ad esaurimento scorte) + tutto ciò che vedi sopra.

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    THE ORIGINAL SCORE

    Download the Original Soundtrack + everything above.

    Scarica la Colonna Sonora originale + tutto ciò che vedi sopra.

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    A TASTE OF AMALFI

    Receive a traditional Anchovy Sauce from Cetara (Amalfi Coast) to make the best spaghetti ever + everything above.

    Ricevi una tradizionale Colatura di Alici di Cetara per preparare i migliori spaghetti di sempre + tutto ciò che vedi sopra.

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    AMALFI ART

    Receive a Ceramic hand painted tile from The Amalfi Coast + everything above.

    Ricevi un quadretto di Ceramica d’Amalfi dipinto a mano + tutto ciò che vedi sopra.

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    BE PART OF THE CREW

    Get a printed Poster signed by the Director + a Special Thanks in the Credits + everything above.

    Ricevi un Poster stampato firmato dal Regista + uno Special Thanks nei Titoli di coda + tutto ciò che vedi sopra.

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    YOU ARE AN EXECUTIVE PRODUCER

    You will be credited as Executive Producer on IMDB + everything above.

    Sarai accreditato come Produttore Esecutivo su IMDB + tutto ciò che vedi sopra.

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Funding period

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